Grabado en los estudios Planta Sónica II de Vigo con Pancho Suárez, y producido por Iago Lorenzo en Litium (Pontevedra), este ∞3 constituye una suerte de puzzle denso y oscuro, que contrasta con la claridad de sonido de por ejemplo, “#2. La transición de fase”, su anterior disco, publicado en 2009. Ya desde la portada se nos sugiere una atmósfera de descubrimiento que en el interior del álbum se concretará en una aproximación a temas habituales como las dudas, el amor, la vida o el destino, aunque desde una perspectiva nueva, desde el punto de vista del extraño que se contempla en el espejo.

Así, el disco oscila entre una entrada oscura y densa de melodía aérea, como es Nanomédicos, viaja hacia la fuerza de El mundo de Kira, la explosión de lo etéreo en Cientos de motivos y reposa en cortes como Nina Kulagina. El ambiente industrial llega en Desastrología y la concesión al pop-rock inglés en E.L.O.. El tema instrumental que da título al disco abre la recta final: Ausencia parcial presenta de nuevo una línea vocal clara con momentos álgidos e instrumentación intensa, nos dejan respirar con Buenos Momentos, nos hacen bailar con Años Luz y llega Zumo V, el tema que cierra el álbum: una base rítmica contundente y abierta con guitarras acompañantes y el contraste con voces armonizadas sobre teclados y, finalmente, la fusión con la melodía principal de la voz que aparece deslizante como una pieza más de este puzzle sonoro.

Lo sabemos, ha sido una descripción llena de adjetivos e imágenes, pero la tarea de traducir sonidos en palabras siempre es ardua, por no decir imposible. De esta manera, preferimos recomendaros directamente que os reservéis un momento para vosotros mismos, que os dispongáis a realizar un pequeño ensayo de instrospección y escuchéis este Infinito 3. Os sorprenderá.

Escucha ∞3 en Spotify!

Cuando su nombre empieza a sonar con fuerza en nuestro país, estos jóvenes valencianos ya tienen programada una gira que les llevará a recorrer Estados Unidos. Los Angeles, Austin, Washington y Nueva York serán los destinos de Polock en este tour, que demuestra el prestigio y el nombre que han adquirido recientemente fuera de nuestras fronteras. ¿Su fórmula del éxito? Papu, Pablo, Sebas, Alberto y Marc se caracterizan por unos temas extremadamente frescos, peligrosamente pegadizos y exageradamente bailables. Y aunque evoquen por momentos a The Leadings o Hola A Todo El Mundo, Polock han conseguido impregnar su primer álbum, “Getting down from the trees”, de un estilo propio y un desparpajo que ha enganchado a miles de personas en todo el planeta.

Además, acompañan su rock guitarrero con una imagen potente, moldeada durante sus estancias en los epicentros más importantes del panorama musical europeo, como Berlín o Londres. En la capital británica han rodado recientemente el videoclip de su éxito “Fireworks”, producido nada más y nada menos que por el sello Black Sheep (responsables de vídeos para OK Go o Snow Patrol, entre otros). Y eso no ha pasado por alto para dos de las publicaciones musicales más conocidas del mundo anglosajón: La revista británica “Dazed & Confused” y la norteamericana “The Fader” dan gran protagonismo al lanzamiento del nuevo videoclip de los talentosos valencianos. A parte de en el Reino Unido, su álbum debut se comercializará en breve también en Alemania y Francia.

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Tras deleitar junto a los cántabros Estereotypo a la barcelonesa Sala Apolo el pasado 19 de febrero, parece que por el momento no hay fechas definidas para recorrer territorio español. Únicamente la primera semana de agosto en el Arenal Sound 2011, en Burriana (Castellón), dónde el cartel va tomando forma y se augura muy recomendable.

Así, tras hacer las maletas y vestir al tigre que los representa con la bandera estadounidense, Polock siguen con hambre de mundo… Próxima parada: Estados Unidos. A bailar!

PD: Hemos hablado de Polock y aprovechamos para presentar a un nuevo colaborador de este espacio. ¡Bienvenido Sam, y que lo disfrutes!

Tu camino musical ha sido muy variado: estudios interpretativos, musicológicos, música antigua, música clásica… ¿cómo llega el momento de decidirse a hacer un álbum propio?

Nunca me he planteado los estudios como metas definitivas simplemente los he afrontado como una especie de “operación quirúrgica para añadir brazos a mi cuerpo” algo así como un sistema para que las ideas puedan florecer mas fácilmente. He flirteado con todo lo que me ha apetecido sin encasillarme nunca demasiado: clásica, antigua, musicología, diversos instrumentos… pero siempre de forma obsesiva, tratando de ahondar al máximo sabiendo que el interés hacia esto o lo otro no duraría para siempre: es mi suerte y mi perdición. Mi primer EP surge de hacer música pero también como un compendio extraño y borroso de mundos muy dispares: desde Bach hasta Tiersen pasando por Perotin, Brahms o Satie. Aí que el momento me llegó sólo y de una forma muy natural. Supongo que he decidido que ya tengo suficientes brazos extra por el momento.

Pese a provenir de campos formativos tan distintos, “Right Sides” tiene un alto componente de rock y música ambiental. ¿Cuáles son tus referentes en este campo?

Sinceramente no tengo referentes. Cuando era adolescente (y aún) escuchaba Bon Jovi, Dire Straits y poco cosa mas. AC/DC durante alguna época… y ya de mayorcito me enganché irremediablemente a Yann Tiersen. Me siento muy próximo a su forma de ver las cosas y por consiguiente a su música. Es el único que me ha calado. Pero el silencio me conviene y me convence mucho. No sigo a nadie y estoy muy poco enterado de que se hace. No conozco a practicamente a gente de rock o de música ambiental. Para el que compone vivir un poco apartado es básico.

Sorprende que seas tú mismo quien interprete todas las pistas del disco. ¿Qué ventajas o inconvenientes te ha reportado esta elección?

Ventajas muchas. Componer el disco es tocarlo en capas. No requerir a nadie mas es un alivio creativo. Mi música sale precisamente de esta soledad: se crea a través de la exploración íntima de una idea. Trabajo a partir de elementos fijos y construyo a partir de bases muy pequeñas. Nunca hago demos: el resultado final es precisamente el proceso creativo. Creo que lo maravilloso de la música es que nunca pierda cierta espontaneidad: todas mis canciones tienen una base improvisada que se mantiene en el resultado final.

Música instrumental. ¿Una decisión consciente?

Prefiero sugerir cosas mas que imponerlas. La música vocal requiere otra perspectiva. Me gusta que la música construya su propia historia, que con el tiempo genere en el oyente un fondo particular y diferente en cada caso. Quizá por eso se relaciona mi música con una etiqueta tan lejana a mi como es “música ambiental”. Para nada quiero crear ambiente. Unicamente requiero que el oyente participe de la creación dando sentido: se conviente entonces en un actor, no en un espectador.

¿Qué opinas de las creaciones audiovisuales que hemos podido encontrar en la red, basadas en tu música?

Siempre es gratificante que la gente escuche y use tu música para otras cosas. se trata de lo que te decia antes: para mi el oyente no es un simple espectador, puede interactuar con la música hasta el punto de crear una cosa nueva a partir de lo que yo propuse: poemas, imagenes, videos… de momento todo lo que he visto es de muy buen gusto.

¿Qué van a encontrar aquellos que escuchen “Right Sides”?

Van a encontrar música poco agradecida: les requerirá esfuerzo , atención y paciencia. Son temas largos, complejos, con entramados contrapuntísticos y no siempre fáciles de digerir. Parece una mala propaganda pero en el fondo no lo és: es música que da recompensa al esforzado. Los temas se construyen de forma lineal, desarrollando ideas hasta descubrir sus contornos definitivos. Y de aquí el titulo del disco: Right sides es la búsqueda de los lados definitivos de mis “polígonos musicales”; el oyente entra en el proceso creativo, que al final es la obra en si. Parece un tanto rebuscado, pero la música habla por si sola. Mi intención es que, además, encuentren un hilo histórico herencia de los clásicos del s. XX. He notado una cosa asombrosa en mi público: las canciones gustan a pianistas de clásica, a rockeros, a músicos y no músicos. Cada uno encuentra, por el momento, lo que estaba buscando: reminiscencias de Mahler, guitarras distorsionadas, musica de café…

¿Cuáles son tus planes para el futuro más inmediato?

En 2011 me traslado a Berlin, donde daré forma a un segundo disco en el que ya estoy trabajando.  Espero que este listo para el verano que viene.  Además estoy pensando en dar algunos directos con música de Right sides en acústico. Evidentemente contando con una pequeña camarilla de músicos, aunque como decía antes, es dificil trabajar en equipo, así que ya se verá. Todas las novedades, de todas formas, se podrán leer en mi web o en la de mi promotora.

Y por último… ¡el test!

Un tema o pieza que te gustaría haber escrito: La pasión según san Mateo de Bach.

Un lugar para perderse.  Un sotano cargado de trastos antiguos.

Un superhéroe.  A. Fleming

Una película inspiradora: Casablanca

Un sueño por cumplir:  vivir en la Costa Azul.

Podéis escuchar y/o comprar “Right Sides” a su autor en este enlace

Y de una gran voz femenina saltamos a otra, aunque en este caso en un género distinto. Dedicamos nuestra entrada de hoy al nuevo álbum de la revelación irlandesa Imelda May, que con su rockabilly actualizado consiguió con “Love Tattoo” (su álbum de debut publicado en 2008) llamar la atención de medio mundo, a juzgar por sus apariciones públicas en los medios y su presencia en gran número de festivales.

Como siempre en estos casos en que la primera entrega es tan destacada, el propio artista lo tiene difícil para superarse a sí mismo, puesto que las expectativas son muy altas. “Mayhem”, que así se llama lo nuevo de May, llega además, por sorpresa: su lanzamiento no se esperaba hasta mediados de este mes y justamente lo hemos descubierto en Spotify! Así pues, desde Libertad Sonora nos disponemos a exprimirlo en palabras.

El single “Psycho”, disponible desde antes de verano, nos daba ya alguna pista: si en “Love Tattoo” encontrábamos prácticamente la reproducción de uno de sus directos (aunque con la frialdad propia de las grabaciones de estudio), en su nuevo álbum la cosa cambia. Estamos ante un trabajo más producido: la base instrumental aumenta en varios de los temas con la incorporación de sección de viento, alguna que otra cuerda y otros instrumentos tales como el ukelele; además de múltiples planos de Imelda, en coros al más puro estilo fifties.

Por lo que a los temas incluidos respecta, llama la atención “Pulling the Rug“, el primer corte del álbum, hecho a imagen y semejanza del gran “Johnny got a boom boom” de su anterior trabajo, pero como suele pasar cuando se busca repetir un éxito, uno acaba prefiriendo la versión original. A parte de esta anécdota que cabría calificar incluso como desliz, ha incorporado bastantes de los temas que ya solían aparecer en sus directos, como “All for you”, “Proud and humble” o su versión del ya clásico de los ochenta “Tainted Love”. ¿El resto? Canciones más melancólicas como “Too sad to cry”, más folkies, como “Kentish Town Waltz” y otras con vocación de single, como el ya mencionado “Psycho” o el que le da título al álbum, “Mayhem”.

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En definitiva, un trabajo quizás más irregular en ritmo interno que su primer álbum, pero que sigue mostrando, aunque con un sonido más depurado, el gran potencial que tienen tanto la irlandesa como su banda; la cual por otra parte resulta imprescindible. Seguimos esperando su próximo paso por Barcelona: ahí, sin adornos, es donde podremos de nuevo disfrutar de la calidad y entrega del proyecto de Imelda May.

Puedes escuchar Mayhem en Spotify!

Una cosa nos llama la atención. En la web del festival, no existe el apartado “Artistas“. En su lugar hallamos el indicador “Bandas“. Muy  pero que muy buen comienzo.

Jueves 8. Rammstein. ¿Qué decir de estos alemanes? Con un sonido potente y definido, además de una espectacularidad pirotécnica en escena, cada uno de sus conciertos supone una descarga de energía y adrenalina. La densidad de sus guitarras y lo marcial de sus ritmos se aprecia tanto en temas como “Engel“ (Sensucht, 1997) o ”Mein herz brennt” de su álbum Mutter (2001) como en sus últimas entregas, presentes en su álbum “Liebe ist für alle da”. Siempre provocadores, su concierto promete.

Skunk Anansie en una imagen promocional

El mismo jueves, Skunk Anansie, un grupo de enorme personalidad, en gran parte gracias a su vocalista Skin, quien cataloga su estilo como “clit-rock”, una mezcla entre heavy metal y rabia post-feminista, características perfectamente perceptibles en temas como “Weak” (1995) o su más recinete “Because of you“. Tras diez años después de su separación se reúnen para presentar su grandes éxitos Smashes and Trashes. Increíbles.

No olvidemos a Slayer. De acuerdo, no es posible, así que retiro la recomendación. Ya veteranos, los que podríamos considerar como más duros del cartel, llevan en activo desde 1981, año en que debutaron con Show no mercy. Aunque su apogeo llegó con Reign in blood (1986), por muchos situado entre uno de los mejores discos de metal de la historia. Sobre la batería  de Dave Lombardo, desquiciante pero perfecta en su técnica, rodarán los temas en la noche del jueves. Quizás rueden algunas cabezas…

Otros nombres de esta noche serán Rage against (con nuevo material bajo el brazo), Bullet for my valentine (nuevas tendencias en el género), Volbeat (con una voz limpia y clara sobre bases de ritmo acelerado) Anti-Flag (punk-rock americano) o Rise to Fall (la apuesta local a la noche metalera).

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Viernes 9. Pearl Jam. Eddie Vedder y su particular voz, acompañados por su banda, llegan desde Seattle. Dando que hablar desde principios de los 90, se convirtieron en una de las bandas de más éxito del momento tras su debut Ten (1991), que incluía temas que quedarían en el recuerdo como “Alive” o “Even Flow“. Pero afortunadamente, la cosa no quedó ahí. Los australianos de la “mermelada de la abuela de Eddie” no han parado y ahora vuelven con un nuevo álbum Backspacer. Recordemos que uno de sus puntos fuertes es su directo. ¡Imprescindibles!

Y no nos movemos de la escena grunge de los 90 con Alice in Chains. Y de nuevo a Seattle para encontrarnos con otro histórico grupo de rock bien entendido, creador de temas como “Man in the box” o “Change my brain“. En esta ocasión vienen también con nuevo trabajo bajo el brazo: Black gives way to blue, editado el pasado 2009. 

Bandas como The Smiths o más tarde Oasis se declararon en algún momento inflenciados por él. Él es Paul Weller, quien fuera líder de The Jam, uno de los grupos más reconocidos en la era punk de la Inglaterra de los 80. También presenta nuevo trabajo, su recién estrenado Wake up the nation.

Otros nombres del viernes son Gogol Bordello, Coheed & Cambria, Biffy Clyro o Cápsula.

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Sábado 10. Faith no More. Banda de culto, fusionan en su propuesta elementos propios del heavy metal, del hip hop, del funk y del rock progresivo. Tras más de 25 años de carrera, siguen en activo, y pese a no haber publicado material nuevo recientemente, sólo escuchar en directo temas como Midlife Crisis o Epic deberían ser motivo suficiente como para asomarse a esta banda originaria de San Francisco.

Y para terminar, más nombres de la noche del sábado: The Maccabees, Band of Skulls o  Jet (no estaban muertos, estaban… por ahí. Pero son rock en estado puro!).

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CONCLUSIÓN: Podríamos decir que sí: aún existe el buen rock (y no será la única muestra, como veremos en días sucesivos), y una gran ocasión para ver tanto a apuestas recientes como para revivir grandes momentos pasados o retornos inesperados es sin duda, el BBK Live.

Respecto a The Last 3 lines, está considerada una de las bandas independientes de la ciudad con más proyección de los últimos meses. Tras ser elegidos como mejor maqueta del 2007 por la revista Mondosonoro, no han parado. Según indyrock.es, la banda “parece apostar por la sinceridad y las nuevas alternativas para hacer frente a las exigencias del mercado musical y, hasta la fecha, calidad y ganas no les faltan”.

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La banda que les acompañará son los originarios de Girona Two Dead Cats. Con temas como “No party city” o “Girl like you“, han pisado ya los más diversos escenarios. Presentan su último álbum “La curiosidad mató al gato”, y como se ha dicho en spinner.com, “Podemos intentar definirlos, pero la música de Two Dead Cats es tan completa y rica en matices que es una tarea difícil.”

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Esta noche, a partir de las 22:00, en la Sala Pop de Santa Coloma de Gramenet. Metro <L1>.

Libertad Sonora se ha dejado caer por las listas iniciales de seleccionados, y hemos encontrado un poco de todo. En rock, unos sorprendentes You don’t know me se ponen en cabeza, procedentes de Madrid, presenta su tema “Hit Back Harder“, que suena más que interesante… Les siguen de cerca The Drug Dealers con “Puppets“, con influencias más clásicas, cercanas al hard rock, acompañados por un característico Hammond y un solo de guitarra al más puro estilo rock que nos lleva a sonidos de bandas como Wolfmother.  

Por lo que respecta a la lista pop, amparada por la banda Second, encontramos a una de nuestras apuestas personales, bien conocidos ya en nuestro espacio virtual: la banda barcelonesa Sweater, con su clip “Mi miedo a la oscuridad“, que por ahora se sitúan en una posición cómoda, que evita su pase a la reserva. El grupo que por ahora encabeza el ranking pop son Los Thompson, una banda al estilo más comercial que los emparenta con grupos como El Canto del Loco o Pignoise, que no aporta demasiada novedad… También encontramos en esta lista a otras bandas como Cool Frog, de inspiración anglosajona, o lo más electro-friki-pop, Modelé Fatale, con su tema “Somos inocentes“, cuyos componentes llevan girando en el universo indie desde los años 90. Y es que para gustos colores…

Os dejamos a continuación el enlace a la web oficial para que podáis sumergiros en estas nuevas apuestas y apoyar a aquellos candidatos que vosotros decidáis: http://www.cuatro.com/purocuatro/

Y de propina, un par de clips participantes, para ir abriendo las orejas…

SWEATER – MI MIEDO A LA OSCURIDAD (candidatos en categoría POP)

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THE DRUG DEALERS – PUPPETS (candidatos en categoría ROCK)

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Ser el primero no es tarea fácil. Y sino, que se lo digan a Selva. Llegada la hora de inicio, el público en la 2 de Apolo era más bien escaso, llegando uno a preguntarse si el promotor del evento habría hecho su trabajo… De cualquier modo, la banda supo sobreponerse a la frialdad inicial, y poco a poco, fue calando en los oídos con su sonido compacto, enérgico, con toques que recordaban a bandas como Tequila o Los Rodríguez. Muy en su sitio las dos guitarras, realizando a la perfección su papel; hecho aplicable a su vez al teclado, que supo alternar en el momento preciso sus funciones de apoyo armónico y de solista, con muy buen resultado en ambas. ¿Sus letras? Canallas, divertidas, de las que sentencian. Y es que no todo el mundo es capaz de cantar “Quiero una novia fea” y quedarse tan a gusto.

Un momento en la actuación de Selva. Foto: Mario Gómez.

  Tras la actuación de Selva, les llegó el turno a Los Reservas. En una noche de descubrimientos, estos chicos sorprendieron por sus tablas en el escenario y su capacidad de acercarse al público, cada vez más numeroso y animado. El grupo fue descubriendo algunos de sus temas presentes en su último disco, “Entre las flores“, reivindicando su sonido pop-rock directo, dando comienzo a su espacio musical con “Yo no quiero ser un rock star“, y siguiendo adelante con otros como “Ay qué pena” o “Más de lo que yo te amé”, una de las que presentó las armonías vocales más trabajadas y con más reminiscencias retro. Marki y Juanito dieron sobradas muestras de que en escena es donde se sienten como pez en el agua, a pesar de las apreturas que el planning horario les impuso. ¿Una anécdota? Otro de los destacados en la escena rock de la ciudad, Carlos Cros, ex-compañero de ambos, estuvo allí para verlo. Dios los cría…

Los Reservas en Apolo 2. Foto: Mario Gómez.

 Y finalmente, para cerrar la noche, aparecieron Sweater. Como era de esperar, su concierto fue dinámico y potente, combinando las melodías y ritmos punzantes a partes iguales a través de los temas de su Plan Magistral. Su actuación dio comienzo con una introducción instrumental, creada a partir de los motivos presentes en “Estírate“, una de las mejores entregas de su primer trabajo, que junto con el que da nombre al disco, fueron los dos primeros regalos de la noche. La personalidad de Víctor, su vocalista, y el saber hacer de sus compañeros, conforman una banda singular, que supo mantener el nivel a que nos tiene acostumbrados en una sala con acústica envidiable, como es Apolo 2. Esto llevó a su vez a que pequeños fallos fueran más perceptibles, pero en modo alguno empañaron su buena actuación. Mucho público conocido contribuyó a crear una atmósfera de implicación con la banda, que dio respuesta a ello con un derroche de energía (y transpiración bajo los focos).

Los barceloneses Sweater, de nuevo en directo. Foto: Mario Gómez.

En definitiva, una noche más que interesante, que dejó a los asistentes con ganas de más, ya fuera por parte de Selva, que supieron romper el hielo y salir airosos de ello; Los Reservas, con su arrojo y buen hacer, o por parte de Sweater, que supieron de nuevo hacernos partícipes de su universo de encuentros musicales. Y es que no se me ocurre un plan mejor para una noche de jueves. 

¡Propina! Todas las imágenes del concierto (y con calidad de 8.0 megapíxels) en el siguiente link! Click, click…  (Cortesía de Mario Gómez)

The High End of Low: lo último de Marilyn Manson

Lo ha vuelto a hacer. Marilyn Manson se reinventa de nuevo con su último álbum de estudio, “The High End of Low“. En contra de lo que dicen muchos de sus críticos, que opinan que desde su “Antichrist Superstar” no ha hecho más que profundizar en su decadencia, no es el caso: estamos ante un artista al que podríamos definir como global, ya que cuida hasta el último detalle de sus producciones, tanto musicalmente, como en cuestiones de directo, de imagen,… empezando por él mismo. Lo impensable en él es esperar dos álbumes iguales. Así, en este último trabajo demuestra como es capaz de, aprendiendo de pasados trabajos, seguir creciendo, para crear un sonido reinventado y nuevo a la vez, que le da al disco ese toque de personalidad individual que tienen todos los trabajos de Manson.

En este caso, el ritmo al que se desarrolla el disco en su primera mitad es envidiable. Se abre con un “Deavour“ que ya deja ver que éste álbum no decepciona en cuanto a carácter: destaca su nitidez, pero a la vez su visceralidad, creciendo en intensidad hacia el final del tema. Seguidamente, un par de temas más rockeros “Pretty as a svastica” y “Leave a Scar“, siguen dando pistas de las características de la producción: con un toque electrónico que recuerda a Mechanical Animals (no será la última vez que hagamos referencia a este trabajo) combinado con la crudeza de un Antichrist. (Ciertamente, el co-productor de este álbum no es otro que Sean Beavan, que asu vez trabajó en los dos LP’s que acabamos de mencionar). Imposible no seguir escuchando. Y sorpresa: “Four rusted horses“. Un country al estilo “mansoniano”, donde proclama que “todo el mundo irá a su funeral para asegurarse de que ha muerto”. Musicalmente original, una pequeña joya. Seguimos adelante, y para no romper con el buen ritmo del trabajo, la potencia y el enganche de su single “Arma-goddamn-motherfuckin’-geddon“. De éste quizás podría criticársele su enorme parecido a “Disposable Teens“, pero de cualquier modo, la diferente producción hace que el tema cuadre perfectamente en este “High End of Low“. Algunos hasta consideran que Manson se parodia a sí mismo… Quién sabe.

Tras un crudo “Blank and White“, otra sorpresa: “Running to the edge of the world“. En este tema que roza los seis minutos y medio, volvemos a las reminiscencias “hollywoodianas” con temas como “In the Shadow of the Valley of Death” o a las de “Speed of Pain“, de Mechanical Animals. Así, uno de esos pequeños “himnos” que nos hacen ver el lado más humano del artista.

Tras esta primera mitad, las canciones se suceden a un ritmo un tanto más lento. Un “I want to kill you like they do in the movies” de 9 minutos (excesivo), un destacable “Unkillable Monster” o un “Into the Fire” con tintes épicos. Cierran el disco “15“, que se inicia con un motivo distorsionado muy particular y un bonus track: un remix del single, más comercial y bailable. No olvidemos “We’re from America“, banda sonora de su web (que muta con cada álbum de manera total), con influencias directas de su trabajo “Golden Age of Grotesque“, aunque recrudecidas.

En definitiva, Marilyn Manson sigue evolucionando. Tras su introspectivo trabajo anterior “Eat me, drink me…” en el que reflejó las consecuencias de su ruptura con Dita von Teese, vuelve renovado, resarcido y dispuesto de nuevo a repartir rock a diestro y siniestro. Y aquí está “The High End of Low.”

Albert, Alex, Sergio y Josep esperan la nave...

• ¿A qué suena D’Espacios? 

dESPACIOS suena a Rock y sobre todo a la banda sonora que deberían tener los cómics…

• Vuestro disco lo habéis titulado “El Viaje”, y tiene toda una historia detrás. ¿Qué nos podéis contar de este “Viaje”? ¿Habéis querido hacer un disco conceptual?

Sin duda es un disco conceptual. Es el viaje de un hombre que ahogado por la forma de vivir en este planeta y por el egoísmo de los seres humanos. Pone su felicidad en manos de la idea de encontrar un mundo mejor fuera de esta galaxia, envía señales al espacio y encuentra respuesta. Es abducido por una nave alienigena comandada por Estrella Fugaz una habitante de el Planeta Flamingos, un lejano mundo donde reina el rock y la libertad. Se enamoran perdidamente el uno del otro y emprenden un largo viaje hacia el lugar de origen de ella, a lo largo del disco narramos la pasión y el amor que desatan sus cuerpos, así como el estrepitoso fracaso de la relación entre ambos por la imposibilidad, por parte de él, de asumir una conducta tan distinta y libertina a la suya propia. Hay una profunda moraleja que nos invita a reflexionar sobre el comportamiento del ser humano, adornada con tintes fantásticos y futuristas.

• Está disponible la descarga gratuita de vuestro disco a través de la red, protegido con licencia Creative Commons. ¿Qué os ha llevado a tomar esta decisión? ¿Cómo está respondiendo la gente?

La descarga gratis del disco fue una decisión que tomamos para poder llegar al mayor número de personas posible. Tambien una forma de adaptación a la nueva forma de consumir música, estamos en un momento en le que el mercado discográfico esta cambiando y creemos que nadie sabe a ciencia cierta que rumbo lleva, por lo tanto lo más práctico es ir hacia donde sople el viento.

La gente está respondiendo bien en general, pero creo que todavía hay muchas personas que siguen valorando el formato físico, el cual no descartamos totalmente, ya que el disco va acompañado de un cómic realizado por mi mismo, en el cual hay una pequeña aventura de los componentes del grupo en el formato más clásico de los superheroes del cómic.

• ¿Cuáles son vuestros proyectos a medio plazo?

Preferimos no planear demasiado las cosas, ya que corres el riesgo de que no te salgan bien, de momento estamos preparando todos los temas que tocamos habitualmente en directo en un formato acústico para poder tocar en todo tipo de salas.

• ¿Qué le diríais a alguien que no conozca aún a D’Espacios?

A quien no conozca a dESPACIOS le diría que se está perdiendo a una buena banda, que como poco intentamos ser originales y ofrecer algo distinto. Animo a todo el mundo a que visite nuestro myspace.com/despacios y a saber más de nosotros. Y si entre los visitantes hay algún filántropo le animo a costear nuestro próximo disco.

• Un deseo para el futuro.

Mi deseo para el futuro… que se vuelvan a unir los Beatles.

Y una propina! d’ESPACIOS en la Salamandra…

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