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Así pues, podríamos optar por mojarnos y afirmar que Libre Asociación es, si bien no un álbum continuista, uno de los más trabajados y completos de The New Raemon por tres razones: por su buena producción y sonido, que moldean la atmósfera del álbum hasta darle un toque nuevo y distinto; por su buena ejecución, con una voz agradable e intensa en su justa medida, además de un acompañamiento preciso, y por último, por sus canciones. Letras incisivas y justas, con melodías y armonías que las amplifican y que consiguen que hacer que The New Raemon suene renovado y esencial al mismo tiempo.

Escucha “Libre Asociación” en Spotify!

El rock instrumental es una apuesta arriesgada, y ya sois veteranos en ella, es vuestro medio. ¿Por qué? ¿Qué os aporta frente a otras opciones musicales?

Siempre partimos de improvisaciones que grabamos, escuchamos y despues organizamos para crear piezas. Nos encanta dejar partes más abiertas para improvisar y así hacer que cada tema sea diferente cada vez que lo tocamos. Al público también le encanta eso, lo convierte en algo muy orgánico y en constante evolución.

A nivel personal, 15 años son muchos años haciendo música juntos. ¿Era AtletA, como proyecto de dúo, una tarea pendiente?

Pues posiblemente hacía mucho tiempo que nos andaba en la cabeza hacer algo los dos, puramente. Jose y yo siempre hemos interactuado de manera casi esotérica, en 12twelve eso nos trajo alguna complicación, es cierto. Y pienso que no lo habíamos hecho antes por tener proyectos vivos que nos quitaban tiempo, pero también porque es ahora cuando empezamos a sentirnos cómodos con el uso de máquinas y nos encanta aprender cada día de ellas.

¿Algún consejo para un recién llegado a vuestra música?

La única recomendación sería cerrar los ojos y dejarte llevar. Entonces es cuando empiezas a ver imágenes y después incluso te puedes poner a bailar casi sin querer, posiblemente de forma tribal e incontrolada.

¿Cómo valoraríais la acogida que está teniendo vuestro trabajo en los medios? ¿Y en el público?

La prensa nos ha recibido muy bien, no esperabamos tanta calidez. Se nota mucho el respeto que 12twelve había generado y parece que Catedrales ha cubierto las expectativas de cierto sector de público que quiere algo más que lo que le da el pop puro y duro.

Lo que esta realmente duro es el tema conciertos. La crisis ha generado una falta de recursos preocupante. Muchos amigos nuestros han tenido que bajar sus cachés muchísimo y es cada vez más dificil cerrar conciertos en condiciones. Las cosas se estan poniendo muy feas y no parece que vayan a mejorar mucho. Ya se sabe que cuando no hay dinero lo primero que se resiente es la cultura y eso nos depara un futuro bastante gris, por lo menos en cuanto a oportunidad de dar cabida a propuestas diferentes.

La primera consecuencia es que parece ser que si no haces pop o canciones fáciles de digerir lo tienes negro. Por otro lado también pienso que comenzará a haber gente que monte grupos con el fin, noble y necesario, de hacer la música que quieran porque saben que no podran comer de ello.  A ver qué ocurre. Por lo que respecta a nosotros, hemos malvivido de la música con 12, y nos encantaría volver a hacerlo pero se ve complicado, así que parece que nos toca seguir con la batalla de los grupos que hacemos música aparte del mainstream o ese pseudo mainstream que es el mal llamado indie.

¿Os gustaría que se tratase de un proyecto de largo recorrido? ¿Qué ideas guardáis para el futuro más próximo?

Jose y yo siempre tocaremos juntos. Hemos pasado de todo, gloria, fracaso y todo lo que queda enmedio. Y nos seguimos divirtiendo como el primer día que tocamos juntos, es genial tener esa suerte, la verdad. Estamos preparando el segundo disco que de momento tiene temas con títulos como “Brazo luminoso”, ”Fe”, ”Atenas”, ”Manchuria” y ”Telepatía habitual” (¡esto es primicia!). Y también andamos preparando una gira para después de verano y pendientes de algunos festivales, como todo hijo de vecino que se dedique a esta locura que es la música.

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Y ahora… ¡el test!

Una canción u obra que os gustaría haber firmado: Songs of innocence de David Axelrod

Un lugar para perderse: Una tienda de discos (Amoeba music de San Francisco, no está nada mal….)

Un superhéroe: Daredevil

Una película inspiradora: 2001, odisea en el espacio

El directo es… la razón de ser de la música

Estadio, teatro o sala: Los tres tienen sus encantos

Un sueño por cumplir: Tocar cada semana en un país diferente.

Puedes descargar gratuita y legalmente ”Catedrales” en este enlace o bien escucharlo en Spotify!

Y ni lo es, ni se pretende. Este Charm School simplemente suena a Roxette sin aditivos: un single impecable como Radio (con esa letra que no podemos evitar que nos recuerde al Suck my kiss de RHCP), baladas en las que la voz de Marie sigue sonando como siempre lo hizo, como es el caso de No one makes it on her own, y temas en los que Per demuestra ese lado propio, como Way Out y Only when I dream, su manera de entender un pop enérgico sin el que Roxette no sería lo que fue y sigue siendo: un grupo de pop con buenas melodías, buenas voces y un punto de positividad que los que seguimos disfrutando de Joyride o Crash Boom Bang, seguimos agradeciendo.

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En definitiva, quizás no sea el mejor disco del grupo. De acuerdo. Pero lo cierto y más importante es que sigue sonando a Roxette, y muchos de sus temas despiertan la nostalgia pero también la sonrisa. Así pues, prueba superada.

Escucha “Charm School” en Spotify!

La historia de Fuel Fandango: ¿cómo Ale encontró a Nita? ¿O más bien fue al revés? ¿Cómo se gesta este proyecto?

Pues nos encontramos por casualidad ya que Ale venía mucho por Córdoba a pinchar desde hace ya algunos años y resultó que teníamos muy buenos amigos comunes. Nos conocimos hace ya tres años y fue inevitable hacer música.

Los sonidos de vuestro primer álbum son sorprendentes por su variedad, ¿de qué fuente bebe Fuel Fandango?

Pues de fuentes insospechadas, la verdad que tenemos unos gustos muy dispares los dos. Desde lo más puro hasta lo más ecléctico.

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La primera impresión que uno tiene al escuchar el disco es que en directo puede ser una bomba de relojería y parece que las críticas así lo confirman. ¿Cómo vivís vosotros la experiencia del concierto?

Pues para nosotros el directo es primordial. Es lo que más nos llena, sobretodo por la energía que se desprende en el escenario.

El soporte de la banda es imprescindible. ¿Qué nos contáis de los que os acompañan en la aventura?

Pues en directo vamos acompañados por Carlos Sosa, un pedazo de batería de las Palmas de Gran Canaria. Es un placer contar con el en este proyecto ya que se ha involucrado tremendamente en nuestra música, entiende el concepto a la perfección y nos sentimos muy seguros en el escenario.

¿Cantar en inglés igual a vocación internacional?

Cantamos en inglés porque nos parece que es un idioma con una musicalidad inmensa y que es el más adecuado para lo que hacemos. Lo mezclamos con el español en las partes más flamencas ya que es mi raíz, y por supuesto nuestra intención es que sea un proyecto de nuestra tierra pero tambien internacional.

Nita, tu voz es impresionante. ¿El sonido flamenco y de copla del que provienes qué tal se lleva con el funk?

Se lleva mu bien! Siempre he cantado de todo desde chiquita con la copla y el flamenco que me ha acompañado hasta ahora, pero también he hecho muchos otros estilos como el jazz o el funk. Ahora mezclo todo lo que he aprendido durante estos años de la mejor manera que sé!!!

En los próximos meses, ¿cuales serían vuestros deseos para Fuel Fandango?

Pues seguir como hasta ahora…

Y ahora… ¡el test!

Una canción que os gustaría haber firmado. Hallelujah de Leonard Cohen

Un lugar para perderse. Tailandia

Un superhéroe. Nuestros padres

Una película inspiradora. Más allá de los sueños

Un directo es… Puro Fuego!

Estadio, teatro o sala: Teatro pero tendremos que tocar más bajito…

Un sueño por cumplir: Vivir toda nuestra vida haciendo lo que más nos gusta!!

Escucha a Fuel Fandango en Spotify!

PD: Añadimos que el concierto previsto por la banda en el Festival In-Somni de Barcelona este fin de semana ha quedado cancelado por motivos ajenos a la voluntad del grupo. ¡Les esperamos pronto por aquí!

Y es que la lírica es uno de los puntos fuertes de Rosenvinge. Con influencias declaradamente femeninas como Alejandra Pizarnik o Anne Sexton, las letras tratan múltiples puntos de vista del amor, basándose incluso en historia antigua y mitología para escribirlas, como contaba en esta interesante entrevista. Así, dentro de su estilo lánguido y fundente, este disco sigue presentando letras susurrantes y trabajadas, evocadoras y provocativas.

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Respecto al ritmo del álbum, se trata de un disco tranquilo y lineal, que da comienzo con una suave Canción del eco y va animándose ligeramente a medida que avanza. Entre ellos se encuentra el single con que ha presentado este álbum, Mi vida bajo el agua, uno de aquellos temas que a la primera escucha parecen adherirse a nuestro córtex para no salir de ahí. Pese a echar de menos algún corte más al estilo incorrecto de Tu boca o Negro cinturón, (por referir alguno de sus temas más recientes) el resultado final de esta joven Dolores es agradable y completo, manteniéndose fiel al estilo de Christina. ¿Y no era sino eso lo que esperábamos?

Escucha “La joven Dolores” en Spotify!

Repasando más concretamente los temas que componen este nuevo álbum, podríamos su inicio melódico con Walking far from home, tema que se desarrolla a lo largo de sus casi cinco minutos de duración de manera creciente, añadiendo base rítmica, coros y arreglos que lo dotan de una intensidad particular. Con Me & Lazarus nos sigue mostrando el camino abierto a estilos distintos que se intuía en el primer corte, volviendo a aires más clásicos con Three by the river. De ahí en adelante se sucede el juego e intercambio de estilos, Big burned hand, o Your fake name is enough for me, que cierra el álbum, son prueba de ello.

En definitiva, parece claro que quedan lejos los días de arreglos, podríamos decir, minimalistas, de sus primeros tiempos, ya que, si bien los últimos trabajos de Iron & Wine ya contaban con el respaldo de una banda y un sonido más producido, este Kiss each other clean va más allá, proponiendo casi una fusión de estilos enmarcada en un estilo propio ineludible. Y es que en invierno siempre va bien recordar la primavera.

Escucha Kiss each other clean en Spotify!

Pese a que no es un álbum de fácil digestión a primera escucha, los chicos de Harry McVeigh, consiguen firmar un conjunto de 12 canciones que no pierden un ápice de aquello que les dio a conocer: un sonido denso, oscuro y urbano, esencialmente inglés, que nos devuelve a la memoria a grandes nombres como Joy Division o The Smiths.

Pese a todo, “Ritual“ no es simplemente una prolongación de aquel primer “To lose My life”, con las ventajas o inconvenientes que eso conlleve, según el gusto de cada uno. Han sido dos años de distancia entre ambos trabajos lo que probablemente les haya hecho incorporar muevas bases más limpias o incluso cercanas a la música de baile (los cortes Is love o Strangers son prueba de ello). También encontramos sonidos con reminiscencias ochenteras, Holy Ghost, o incluso aires que con menos electrónica y más bombo y guitarreo, no quedarían fuera de lugar en un álbum de algún grupo mas cercano al hardrock o incluso al heavy (véase Bad Love).

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De cualquier modo, lo que es indudable es que, pese a la ausencia de algún hit más directo al estilo de aquel Farewell To the Fairground, este álbum combina rock, electrónica y emotividad a partes iguales. Ahora solo nos queda esperar hasta su próximo concierto.

Escucha Ritual en Spotify!

Y de una gran voz femenina saltamos a otra, aunque en este caso en un género distinto. Dedicamos nuestra entrada de hoy al nuevo álbum de la revelación irlandesa Imelda May, que con su rockabilly actualizado consiguió con “Love Tattoo” (su álbum de debut publicado en 2008) llamar la atención de medio mundo, a juzgar por sus apariciones públicas en los medios y su presencia en gran número de festivales.

Como siempre en estos casos en que la primera entrega es tan destacada, el propio artista lo tiene difícil para superarse a sí mismo, puesto que las expectativas son muy altas. “Mayhem”, que así se llama lo nuevo de May, llega además, por sorpresa: su lanzamiento no se esperaba hasta mediados de este mes y justamente lo hemos descubierto en Spotify! Así pues, desde Libertad Sonora nos disponemos a exprimirlo en palabras.

El single “Psycho”, disponible desde antes de verano, nos daba ya alguna pista: si en “Love Tattoo” encontrábamos prácticamente la reproducción de uno de sus directos (aunque con la frialdad propia de las grabaciones de estudio), en su nuevo álbum la cosa cambia. Estamos ante un trabajo más producido: la base instrumental aumenta en varios de los temas con la incorporación de sección de viento, alguna que otra cuerda y otros instrumentos tales como el ukelele; además de múltiples planos de Imelda, en coros al más puro estilo fifties.

Por lo que a los temas incluidos respecta, llama la atención “Pulling the Rug“, el primer corte del álbum, hecho a imagen y semejanza del gran “Johnny got a boom boom” de su anterior trabajo, pero como suele pasar cuando se busca repetir un éxito, uno acaba prefiriendo la versión original. A parte de esta anécdota que cabría calificar incluso como desliz, ha incorporado bastantes de los temas que ya solían aparecer en sus directos, como “All for you”, “Proud and humble” o su versión del ya clásico de los ochenta “Tainted Love”. ¿El resto? Canciones más melancólicas como “Too sad to cry”, más folkies, como “Kentish Town Waltz” y otras con vocación de single, como el ya mencionado “Psycho” o el que le da título al álbum, “Mayhem”.

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En definitiva, un trabajo quizás más irregular en ritmo interno que su primer álbum, pero que sigue mostrando, aunque con un sonido más depurado, el gran potencial que tienen tanto la irlandesa como su banda; la cual por otra parte resulta imprescindible. Seguimos esperando su próximo paso por Barcelona: ahí, sin adornos, es donde podremos de nuevo disfrutar de la calidad y entrega del proyecto de Imelda May.

Puedes escuchar Mayhem en Spotify!

Recién anunciada la salida de este segundo álbum de la soprano finlandesa Tarja Turunen, en su etapa en solitario tras su época pasada en Nightwish, nos disponemos a oírlo. Su primera entrega fue un tanto decepcionante, su potencial vocal no acababa de definirse en un género. Se rodeó de grandes músicos, pero los temas no eran claros en sus estructuras y oscilaban a medio camino entre el metal, el new age y las atmósferas de bandas sonoras. De cualquier modo, sólo por su gran calidad vocal, decidimos atacar esta nueva entrega: “What lies beneath“.

Y cuál es nuestra (grata) sorpresa, cuando descubrimos que la indefinición y los claroscuros de su primera entrega han sido ampliamente superados. Establece su sonido y nos deja claras cuáles son sus cartas: melodías interesantes, sorpresas armónicas, arreglos orquestales y coros para apoyar su voz, el mayor valor que posee. En este disco, Tarja apuesta por el metal sin reservas, la esfera donde el público más la aprecia, y ofrece once temas que no hemos tenido más remedio que analizar uno por uno.

1. Anteroom of Death w. Van Canto: Su introducción, la paertura del disco, nos sorprende. Alguien entra y se sienta a un clave, afinación. Empieza el tema con un estilo barroquizante y acústico, pero la entrada del estribillo nos coge desprevenidos: tempo contrastante y armonías inesperadas, pero solo por un momento. La estrofa crece al incorporarse la base rítmica de la banda. Vuelta al estribillo, que sigue desconcertando, pero ya nos hace querer volver a oírlo. Aparece entonces un puente con unas vocalizaciones al más puro estilo Tarja, ya sabemos donde estamos. Y de golpe, austeridad y entrada del conjunto vocal metal Van Canto: reminiscencias de power metal y de la intensidad épica que este género comporta culminando en la nueva entrada de la banda. Absolutamente impresionante, y aún más, al entrar las vocalizaciones de Tarja. Y de nuevo el estribillo, más intenso que nunca, hasta el final del tema. Original, arriesgado y acertado. La primera, en la frente.

2. Until my last breath: Más convencional, nos da un respiro tras el primer corte. Con una melodía introductoria pegadiza y una base potente, presenta una estructura muy clara y posee un estribillo pegadizo, propio de muchas bandas de la zona. Single absoluto.

3. I feel inmortal: balada que desde el principio promete intensidad, con todo y que la instrumentación y arreglos no son los típicos del género “oscuro”, sino que cuentan con atmósferas amplias que recuerdan más a la new age. El diseño melódico del estribillo solo pueden permitírselo voces como la suya, y pese a la sorpresa inicial, resulta ser emocionante. Uno de los cortes más expresivos del álbum.

4. In for a kill: según ella describía, “su tema para película de James Bond”. Aparecen los bajos marcados y rítmicos desde el principio, y el estribillo nos ofrece uno de los highlights de la voz de Tarja, que aunque con una resolución un tanto difusa debido al gran vibrato utilizado, merece la pena sin dudarlo. Interludio orquestal que inevitablemente nos recuerda a Nightwish: pero somos de la opinión, que por buen motivo, siempre es bueno recordar los buenos momentos. Tema indiscutible.

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5. Underneath: bajamos la adrenalina con la segunda balada. Melancólica y con tintes cinematográficos, nos sigue demostrando la versatilidad de esta gran vocalista, que puede presentarse dulce y pequeña o grande y poderosa, con una emisión impecable. Solo de guitarra que siempre se agradece a los que nos gusta el metal clásico y final a lo grande, para cerrar quedamente con un acorde mayor esperanzador desarrollado por la orquesta.

6. Little lies: guitarras potentes con un riff marcado que recuerda a bandas como Rammstein, y que pronto se transforma en una línea de bajo más que interesante. Estribillo más convencional seguido de coros a los que se incorpora el riff de entrada. Así, un tema interesante, que juega con coros, los riffs más duros que ha presentado hasta el momento y una melodía simple y pegadiza, ejecutada con un timbre limpio y directo. ¿Suena paranoico si le encontramos un toque vampírico?

7. Rivers of lust: Presentación austera del tema, con melodías líricas que de nuevo hacen lucirse a Tarja y un crescendo textural en el centro, para cerrar otra vez quedamente. Un acierto en el ritmo del disco.

8. Dark Star w. Phil Labonte. Y ahora toques orientalizantes y una distorsión fascinante en la guitarra. Y sorpresa, un toque electrónico en las bases que le sienta de maravilla. Nuevamente un tema convencional en el diseño, aunque la voz rasposa de Phil Labonte aporta un toque de novedad al álbum y al contrastar con Tarja produce un gran efecto.

9. Falling awake w. Joe Satriani. Los créditos del tema dan buenas expectativas y es que el single elegido para presentar este álbum es redondo. Buena base, buena melodía, suficientemente original para dar buena impresión, pero sin pasarse en las rarezas.  El toque de calidad Satriani, sin comentarios. Uno de los temas más destacados del álbum en todos los sentidos: no hemos podido hacer una sola escucha sin acabar con un headbanging.

10. The archive of lost dreams: A capella para empezar y acompañamiento a lo new age, y por contraste con lo anterior, nos deshace. Un respiro.

11. Crimson Deep w. Will Calhoun: Y el cierre del disco no podía ser más espectacular. Si ya el acompañamiento de Doug Wimbish al bajo era impresionante, incorporarle a su compañero batería en Living Colour, Will Calhoun, le otorga una profundidad y una pegada a este tema que ya quisieran muchos.  Impresionante sonoridad para un cierre de lujo.

Escucha “What Lies Beneath” en Spotify!

Y ese es el caso del grupo que os presentamos hoy. Barcelona es su punto de partida, y respecto a su estilo, ellos mismos lo definen como una mezcla entre rock y electrónica; nosotros lo refrendamos con su propio nombre: “El arte de volar“. Elegancia y buen hacer es lo que se transluce en su trabajo de presentación: Posible repertorio en estructura piramidal. Cortes como “Nos vamos” o “Facer nada” son pequeñas joyas de letras trabajadas y evocadoras, que las voces de Sandra de Victoria y Koke Alejo se encargan de relatar sin agobios ni prisas, de manera limpia y deslizante.

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