Hoy la he acercado al blog porque una canción me ha asaltado hoy, y parecía que llevara su nombre escrito en una dedicatoria invisible. Andaba yo escuchando “Fora de catàleg”, un programa que Xavier Salvà realiza en Catalunya Ràdio, cuando ha sonado esta pequeña inyección de energía: se trata de “O que Vôce Quer Saber de Verdade”, aquello que queremos saber de verdad, original de Arnaldo Antunes, pero esta vez en voz de la cantante brasileña Marisa Monte. Lo confieso, no soy ni mucho menos experta en estas lides, pero la voz suave de Marisa parece que te habla al oído. No en vano, ella fue una de las voces más destacadas en el Brasil de los años 90, y aún sigue en activo. Precisamente de su último álbum, editado en 2011 es de donde llega esta canción.

Pero, ¿qué es lo que queremos saber de verdad? Cada uno tiene su respuesta, pero en la letra de esta canción intuimos el camino a seguir.

Vai sem direção
Vai ser livre
A tristeza não
Não resiste
Solte os seus cabelos ao vento
Não olhe pra trás
Ouça o barulhinho que o tempo
No seu peito faz
Faça sua dor dançar
Atenção para escutar
Esse movimento que traz paz
Cada folha que cair,
Cada nuvem que passar
Ouve a terra respirar
Pelas portas e janelas das casas
Atenção para escutar
O que você quer saber de verdade.

Sí, yo también he necesitado la ayuda del traductor. Pero en definitiva, el idioma es lo de menos. Así que lo dicho: a escuchar y a escucharnos. Quizás así descubramos aquello que queremos saber de verdad. En cuanto a tí, destinataria, descúbrelo todo y más, pero sobretodo, vuelve para contarlo.

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Escucha “O que você quer saber de verdade” en Spotify!

]]> http://www.libertadsonora.com/blog/lo-que-queremos-saber-de-verdad/feed/ 2 http://www.libertadsonora.com/presentaciones/recomendando-a-anais-mitchell/ http://www.libertadsonora.com/presentaciones/recomendando-a-anais-mitchell/#comments Sat, 29 Oct 2011 18:44:43 +0000 mariamontes http://www.libertadsonora.com/?p=2042 Continue reading →]]> Tengo un vicio. Recomiendo música. Discos, canciones, artistas. A veces pasa: una tropieza con algo que le remueve, que le hace volver a creer en la idea de que no todo está inventado, pensar que sigue habiendo mentes despiertas que tienen algo que ofrecer. Y surge la urgencia: esto hay que enseñarlo, compartirlo.

Y es curioso el caso de Anaïs Mitchell. Tropecé con ella la primera vez en un momento en que no le di mayor importancia. Oí alguna canción, me llamó la atención su timbre de voz, pero ahí me quedé. Y ahora, casi por accidente, aterrizo de nuevo en la música de esta cantautora de Vermont, y de golpe, se me descubre como algo casi maravilloso. Con cuatro álbumes y un EP a la espalda, suena a folk americano del de siempre, cálido, de letras trabajadas, con melodías sorprendentes en ocasiones. Pero si hay algo que sorprende en Mitchell es su voz. Parece que una pueda imaginársela con una sonrisa perpetua, con energía, pese a cantar a veces los versos más tristes.

Hymns for the exiled, publicado en 2004, fue un álbum determinante. Editado en Chicago por un pequeño sello, llegó a oídos de Ani DiFranco, quien la fichó para su sello, Righteous Babe. Este álbum incluye joyas como la melancólica 1984 o Orion, un tema que no sabría describir de otra manera que no fuese “estremecedoramente dulce”.  Más tarde, en 2007, llegó The Brightness; pero si hay un álbum en que la americana muestra su potencial creativo es Hadestown.

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Editado en 2010, Hadestown se autodefine como una ópera folk. El mito de Orfeo y Eurídice, no en vano primer sujeto operístico en la historia de la música y revisado incontables veces, sirve como eje para este álbum que el webzine Drowned in sound describe con estas palabras:

Mitchell atraviesa una gama tan radical de emociones,  géneros y estilos a lo largo de Hadestown, que es francamente notable que todo funcione. Y que funcione tan  brillantemente bien que en menos de una hora se cree un mundo al que quieres volver una y otra vez,  que es un modelo brillante de forma - de colaboración en sí - es nada menos que impresionante.

El reparto de esta “ópera” incluye voces tan destacadas en el panorama folk como Justin Vernon (voz y guitarra de Bon Iver, como Orfeo), Ani DiFranco (Perséfone), Greg Brown (Hades) o la misma Mitchell (Eurídice).

Para ir cerrando, algunos medios han llegado a compararla con Bob Dylan, Leonard Cohen o Gillian Welch. Yo no iré tan lejos. Pero indudablemente, se trata de alguien que merece la pena compartir. Y es que si hay algo que llene más que recomendar música es acertar con la recomendación. Y habiendo ya empezado a descubrírsela a mi entorno, por ahora llevo pleno de tres de tres. ¿Seguiremos sumando?

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Y como pasa a veces, parece que la música nos sigue en nuestro recorrido. Y ahora que incorporé esa parte más dura a mi mochila de gustos musicales con los que puedo seguir disfrutando, aunque no sean mis gustos presentes, llegan Hindsight (2008) y Falling Deeper (2011). En estos dos álbumes, han recuperado viejos temas como aquel One Last Goodbye y otros como A natural disaster o Flying. En una comparación egocéntrica, parece que como ocurrió con mi yo adolescente, se han suavizado en algunas formas, se han pulido texturas. El resultado de mi evolución no soy yo la más adecuada para valorarlo, y tampoco es el tema que nos ocupa, pero el caso es que estas canciones aparecen agradablemente renovadas, renacidas. Teclados, voces limpias, guitarras acústicas transparentes y solos de melodías inacabables. No han perdido su esencia, al contrario: una desearía que este hubiera sido el germen de las versiones posteriores, que se hubieran ido enriqueciendo a partir de ellas.

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En resumidas cuentas, Anathema mira hacia atrás caminando hacia delante. Un par de álbums para preparar los auriculares, estirarse en la cama y cerrar los ojos. Y tú, ¿no sientes la semilla?

2a parte: Scott Walker, el documental

En la mítica comedia de los Monty Python “La vida de Brian” (Life of Brian, 1979) hay una secuencia en la que el ‘supuesto’ mesías da un involuntario pisotón a un ermitaño mientras huye de la masa enfervorizada que le persigue. El curioso personaje pisoteado permanecía en voto de silencio desde hacía años pero, tras recibir la pisada, entra en una incontinencia verbal sin límite que le impide permanecer callado ni un segundo más. En el documental que nos ocupa sucede algo similar. Scott Walker llevaba 30 años sin subir a un escenario y sin conceder una entrevista, viviendo en la zona marginal del negocio musical. Sus discos eran quienes hablaban a través suyo, pero el documental de Stephen Kijak se encarga de mostrarnos al cantante a través de una extensa entrevista que ejerce -en momentos concretos- de hilo conductor del film. Y, a priori, la cosa promete mucho.

Pero la gran baza de contar con la voz y la palabra del propio Scott Walker acaba volviéndose en contra del documental. Y no sabríamos decir muy bien por qué: tal vez las expectativas eran máximas por conocer cómo es el actual Walker que se esconde tras esas densas y laberínticas creaciones de los últimos años, tal vez la entrevista no sabe sacar todo el jugo al personaje, tal vez verle sonreír en el estudio de grabación mientras crea pesadillas sonoras se nos revela más como un juego fútil que como un acto ceremonioso… La sensación es que nos quedamos a medias. Y el documental no logra su intención de acercarnos más al artista pese a contar con su voz y su presencia.

Pese a todo, la cinta acumula motivos y momentos que nos permiten disfrutar plenamente. La relación de personalidades entrevistadas es de órdago: de Damon Albarn a Radiohead, pasando por Bowie o Eno hasta llegar a Jarvis Cocker o Johnny Marr. Gente de talento hablando con devoción y sin envidias del talento de otro. Son estas entrevistas los momentos que mejor funcionan y los que nos ofrecen la parte más preciosa y perfecta de la pieza. Esas inimitables secuencias en las que cada uno de los entrevistados escogen cual es su canción favorita de Scott Walker y nos cuentan el porqué de su elección -mientras al mismo tiempo oímos de fondo el tema seleccionado- nos acercan mucho más a la figura del cantante que las entrevistas con él mismo.

El documental muestra, no obstante, la gran maquinaria de producción que lo sustenta. No falta de nada: imágenes de archivo se mezclan con entrevistas de época y otras realizadas en el presente. Una voz en off femenina ejerce de hilo conductor junto a la del propio Scott Walker. Todo para intentar adentrarnos en el universo creativo de una de las voces más singulares del mundo musical.

El esfuerzo resulta titánico y logra el difícil reto de que en muchos momentos del metraje nos sintamos más cerca de un personaje tan inescrutable, pero no alcanza del todo su propósito porque falla algo básico: cuando Scott Walker se erige en protagonista de su propio documental la cosa no acaba de funcionar. Y es una pena.

1a parte: Scott Walker, la figura

De ídolo de quinceañeras a ejemplo de artista ermitaño. De baladas románticas a la música más oscura y desoladora que alguien pueda imaginarse. De Ohio a Escandinavia y de ahí a asentarse y desarrollar su carrera en el Reino Unido. Scott Walker es un artista de contrastes, poliédrico y misterioso. Scott Walker parece un personaje de ficción; un personaje fruto de la imaginación desquiciada y esquizoide de un escritor con aires lisérgicos. Pero no lo es.  Es tan real y palpable como el conjunto de su música.

Sus inicios en el negocio musical van asociados al grupo “The Walker Brothers” – que no eran ni ‘brothers’ ni Walker-. Reventaron las listas de éxitos con su debut “Take it easy”, en 1965, gracias a unas baladas melódicas muy pegadizas que volvieron histéricas a las ya de por sí histéricas fans de la época. Subieron aún más alto y tocaron el cielo con su segundo álbum “Portrait” de 1966. Pero se rompieron como un juguete tras su tercer y también exitoso trabajo de estudio.

Scott decidió probarlo en solitario. Pero, sobre todo, probó quitarse de encima el estigma de ídolo ‘teen’. Y fue ahí cuando surtieron efecto los aullidos de Jacques Brel. Walker lo adaptó y versionó con gran éxito de crítica y público. Maduró como artista a través de la alargada figura del francés y, además, fue incorporando cada vez más composiciones suyas a sus álbumes. Fue una época especialmente prolífica. Se sucedieron hasta cuatro LP’s en tres años: Scott, Scott 2, Scott 3 y Scott 4. No se comió demasiado la cabeza con los nombres pero guardó todo el talento para el interior de esos discos. Scott 4 está considerada la obra maestra de esa época pero, como sucede en muchas ocasiones, el público le dio la espalda y fue un fracaso total de ventas.

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Tras este fiasco, Walker lanzaría algunos discos -que él mismo se ha encargado de que no vuelvan a editarse- y también auspiciaría un reencuentro de “The Walker Brothers” en 1975 bajo el título “Regrets”. El disco pasaría algo desapercibido para público y crítica. Pero sería clave en su carrera.

Corría 1978 y Scott Walker lo vio claro. El nuevo LP de “The Walker Brothers” iba a ser el último de la formación y merecía convertirse en una despedida apoteósica. Iba a ser como un ensayo donde estaría prohibido coartar creatividades. Todo valía. Cualquier exceso sería bienvenido. Y así fue como parieron un disco experimental que fue visto con extrañeza en la época pero que cautivó a gente tan ‘outsider’ como David Bowie o Brian Eno. Walker renació como artista y comprendió cual era el camino. Pero no cómo compartirlo. Se cerró en sí mismo y reforzó su condición de misántropo.

Seis años tardaría en aparecer “Climate of Hunter”, un trabajo que mantendría la voz de ‘crooner’ del primer Scott Walker pero que generaría un gran desconcierto en el público al mezclar esa voz con una mayor abstracción en las composiciones. La reclusión del cantante en esos momentos ya era un hecho. No concedía entrevistas ni se prestaba a tomarse ninguna fotografía. La rumorología a su alrededor aumentaba. Había quien decía haberle visto vendiendo en un puesto de ‘Fish and Chips’ y quien se había hecho con sus servicios como decorador de interiores. Lo cierto es que Scott Walker saldría de su hibernación en 1995 con “Tilt”, su nuevo álbum. “Tilt” es oscuro y enfermizo, opresivo y demente, pero se adhiere al oído con resistencia. Este disco ensalzó a Walker como figura underground para las nuevas generaciones y le llevó a colaborar con bandas como Pulp y artistas como Ute Lemper, o a componer la banda sonora del film Pola X, dirigido por el enfant terrible del cine francés Leos Carax.

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Así se llega a 2006 y a “The drift”. La culminación de todo lo expuesto anteriormente. Un disco en el que da pánico sumergirse porque es muy difícil salir de él indemne. También es imposible que su escucha nos haga más felices. Pero atrapa. La percusión puede estar provocada golpeando un trozo de carne, los aullidos pueden causar terror. Y, en medio de todo este caos coherente, emerge una frase que resume un disco y una discografía, una personalidad y una vida. “Vivo. Soy el único que ha quedado vivo”.

El rock instrumental es una apuesta arriesgada, y ya sois veteranos en ella, es vuestro medio. ¿Por qué? ¿Qué os aporta frente a otras opciones musicales?

Siempre partimos de improvisaciones que grabamos, escuchamos y despues organizamos para crear piezas. Nos encanta dejar partes más abiertas para improvisar y así hacer que cada tema sea diferente cada vez que lo tocamos. Al público también le encanta eso, lo convierte en algo muy orgánico y en constante evolución.

A nivel personal, 15 años son muchos años haciendo música juntos. ¿Era AtletA, como proyecto de dúo, una tarea pendiente?

Pues posiblemente hacía mucho tiempo que nos andaba en la cabeza hacer algo los dos, puramente. Jose y yo siempre hemos interactuado de manera casi esotérica, en 12twelve eso nos trajo alguna complicación, es cierto. Y pienso que no lo habíamos hecho antes por tener proyectos vivos que nos quitaban tiempo, pero también porque es ahora cuando empezamos a sentirnos cómodos con el uso de máquinas y nos encanta aprender cada día de ellas.

¿Algún consejo para un recién llegado a vuestra música?

La única recomendación sería cerrar los ojos y dejarte llevar. Entonces es cuando empiezas a ver imágenes y después incluso te puedes poner a bailar casi sin querer, posiblemente de forma tribal e incontrolada.

¿Cómo valoraríais la acogida que está teniendo vuestro trabajo en los medios? ¿Y en el público?

La prensa nos ha recibido muy bien, no esperabamos tanta calidez. Se nota mucho el respeto que 12twelve había generado y parece que Catedrales ha cubierto las expectativas de cierto sector de público que quiere algo más que lo que le da el pop puro y duro.

Lo que esta realmente duro es el tema conciertos. La crisis ha generado una falta de recursos preocupante. Muchos amigos nuestros han tenido que bajar sus cachés muchísimo y es cada vez más dificil cerrar conciertos en condiciones. Las cosas se estan poniendo muy feas y no parece que vayan a mejorar mucho. Ya se sabe que cuando no hay dinero lo primero que se resiente es la cultura y eso nos depara un futuro bastante gris, por lo menos en cuanto a oportunidad de dar cabida a propuestas diferentes.

La primera consecuencia es que parece ser que si no haces pop o canciones fáciles de digerir lo tienes negro. Por otro lado también pienso que comenzará a haber gente que monte grupos con el fin, noble y necesario, de hacer la música que quieran porque saben que no podran comer de ello.  A ver qué ocurre. Por lo que respecta a nosotros, hemos malvivido de la música con 12, y nos encantaría volver a hacerlo pero se ve complicado, así que parece que nos toca seguir con la batalla de los grupos que hacemos música aparte del mainstream o ese pseudo mainstream que es el mal llamado indie.

¿Os gustaría que se tratase de un proyecto de largo recorrido? ¿Qué ideas guardáis para el futuro más próximo?

Jose y yo siempre tocaremos juntos. Hemos pasado de todo, gloria, fracaso y todo lo que queda enmedio. Y nos seguimos divirtiendo como el primer día que tocamos juntos, es genial tener esa suerte, la verdad. Estamos preparando el segundo disco que de momento tiene temas con títulos como “Brazo luminoso”, ”Fe”, ”Atenas”, ”Manchuria” y ”Telepatía habitual” (¡esto es primicia!). Y también andamos preparando una gira para después de verano y pendientes de algunos festivales, como todo hijo de vecino que se dedique a esta locura que es la música.

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Y ahora… ¡el test!

Una canción u obra que os gustaría haber firmado: Songs of innocence de David Axelrod

Un lugar para perderse: Una tienda de discos (Amoeba music de San Francisco, no está nada mal….)

Un superhéroe: Daredevil

Una película inspiradora: 2001, odisea en el espacio

El directo es… la razón de ser de la música

Estadio, teatro o sala: Los tres tienen sus encantos

Un sueño por cumplir: Tocar cada semana en un país diferente.

Puedes descargar gratuita y legalmente ”Catedrales” en este enlace o bien escucharlo en Spotify!

Cuando su nombre empieza a sonar con fuerza en nuestro país, estos jóvenes valencianos ya tienen programada una gira que les llevará a recorrer Estados Unidos. Los Angeles, Austin, Washington y Nueva York serán los destinos de Polock en este tour, que demuestra el prestigio y el nombre que han adquirido recientemente fuera de nuestras fronteras. ¿Su fórmula del éxito? Papu, Pablo, Sebas, Alberto y Marc se caracterizan por unos temas extremadamente frescos, peligrosamente pegadizos y exageradamente bailables. Y aunque evoquen por momentos a The Leadings o Hola A Todo El Mundo, Polock han conseguido impregnar su primer álbum, “Getting down from the trees”, de un estilo propio y un desparpajo que ha enganchado a miles de personas en todo el planeta.

Además, acompañan su rock guitarrero con una imagen potente, moldeada durante sus estancias en los epicentros más importantes del panorama musical europeo, como Berlín o Londres. En la capital británica han rodado recientemente el videoclip de su éxito “Fireworks”, producido nada más y nada menos que por el sello Black Sheep (responsables de vídeos para OK Go o Snow Patrol, entre otros). Y eso no ha pasado por alto para dos de las publicaciones musicales más conocidas del mundo anglosajón: La revista británica “Dazed & Confused” y la norteamericana “The Fader” dan gran protagonismo al lanzamiento del nuevo videoclip de los talentosos valencianos. A parte de en el Reino Unido, su álbum debut se comercializará en breve también en Alemania y Francia.

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Tras deleitar junto a los cántabros Estereotypo a la barcelonesa Sala Apolo el pasado 19 de febrero, parece que por el momento no hay fechas definidas para recorrer territorio español. Únicamente la primera semana de agosto en el Arenal Sound 2011, en Burriana (Castellón), dónde el cartel va tomando forma y se augura muy recomendable.

Así, tras hacer las maletas y vestir al tigre que los representa con la bandera estadounidense, Polock siguen con hambre de mundo… Próxima parada: Estados Unidos. A bailar!

PD: Hemos hablado de Polock y aprovechamos para presentar a un nuevo colaborador de este espacio. ¡Bienvenido Sam, y que lo disfrutes!

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Su modo de expresarse, su estilo musical, es claramente propio de épocas anteriores. Influencias declaradas de Ryan O’Reilly son, por ejemplo, Neil Young o Ryan Adams. Aunque por convicción personal, intenta no dejar que afecten demasiado a sus propias canciones. De armonías claras y con fuerte presencia de coros, su punto fuerte son las letras, de marcado carácter autobiográfico.

Con 22 años, su actual proyecto es The Ryan O’Reilly Band, con Tali Trow al bajo, Brad Thomas al piano, Dave Granshaw a la batería y Spencer Cullum a la guitarra. Con ellos acaba de publicar un EP titulado Emily, que puede oírse en su página web (abrir con Internet Explorer!). Integrado por cuatro títulos, los arreglos que visten estos nuevos temas cuentan con un sonido más contemporáneo, aunque no por ello pierden su esencia tradicional procedente de la Americana y el folk irlandés. Entre los temas de este EP se encuentra November, la hasta el momento canción preferida de la banda, en la que la letra deja claro el desencanto de O’Reilly por la industria musical y su tejido:

You’ll never change the world with your songs and your guitar/There’s people half your age and they’re going twice as far.

(Nunca cambiarás el mundo con tus canciones y tu guitarra /Hay gente a quien doblas la edad que han llegado el doble de lejos.)

Y es que no está dispuesto a dejar de ser quien es. En una ocasión un A&R de una discográfica, que asistió a algunos de sus directos, objetó que en sus conciertos tocaban demasiados estilos distintos. Pues bien, es lo que pretende seguir haciendo. Su punto fuerte es precisamente ese: el concierto en vivo, la comunicación con el público, el contacto directo con la música. Y para aquellos que residáis en la zona de Barcelona y no queráis perder la pista de este talento auténtico que es Ryan O’Reilly, el próximo día 13 de marzo estarán en la sala “Els Genis” de Badalona, a partir de las 20.00h. Una ocasión inmejorable de disfrutar de la autenticidad de The Ryan O’Reilly Band.

Sigue a The Ryan O’Reilly Band en Facebook y en MySpace!

La historia de Fuel Fandango: ¿cómo Ale encontró a Nita? ¿O más bien fue al revés? ¿Cómo se gesta este proyecto?

Pues nos encontramos por casualidad ya que Ale venía mucho por Córdoba a pinchar desde hace ya algunos años y resultó que teníamos muy buenos amigos comunes. Nos conocimos hace ya tres años y fue inevitable hacer música.

Los sonidos de vuestro primer álbum son sorprendentes por su variedad, ¿de qué fuente bebe Fuel Fandango?

Pues de fuentes insospechadas, la verdad que tenemos unos gustos muy dispares los dos. Desde lo más puro hasta lo más ecléctico.

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La primera impresión que uno tiene al escuchar el disco es que en directo puede ser una bomba de relojería y parece que las críticas así lo confirman. ¿Cómo vivís vosotros la experiencia del concierto?

Pues para nosotros el directo es primordial. Es lo que más nos llena, sobretodo por la energía que se desprende en el escenario.

El soporte de la banda es imprescindible. ¿Qué nos contáis de los que os acompañan en la aventura?

Pues en directo vamos acompañados por Carlos Sosa, un pedazo de batería de las Palmas de Gran Canaria. Es un placer contar con el en este proyecto ya que se ha involucrado tremendamente en nuestra música, entiende el concepto a la perfección y nos sentimos muy seguros en el escenario.

¿Cantar en inglés igual a vocación internacional?

Cantamos en inglés porque nos parece que es un idioma con una musicalidad inmensa y que es el más adecuado para lo que hacemos. Lo mezclamos con el español en las partes más flamencas ya que es mi raíz, y por supuesto nuestra intención es que sea un proyecto de nuestra tierra pero tambien internacional.

Nita, tu voz es impresionante. ¿El sonido flamenco y de copla del que provienes qué tal se lleva con el funk?

Se lleva mu bien! Siempre he cantado de todo desde chiquita con la copla y el flamenco que me ha acompañado hasta ahora, pero también he hecho muchos otros estilos como el jazz o el funk. Ahora mezclo todo lo que he aprendido durante estos años de la mejor manera que sé!!!

En los próximos meses, ¿cuales serían vuestros deseos para Fuel Fandango?

Pues seguir como hasta ahora…

Y ahora… ¡el test!

Una canción que os gustaría haber firmado. Hallelujah de Leonard Cohen

Un lugar para perderse. Tailandia

Un superhéroe. Nuestros padres

Una película inspiradora. Más allá de los sueños

Un directo es… Puro Fuego!

Estadio, teatro o sala: Teatro pero tendremos que tocar más bajito…

Un sueño por cumplir: Vivir toda nuestra vida haciendo lo que más nos gusta!!

Escucha a Fuel Fandango en Spotify!

PD: Añadimos que el concierto previsto por la banda en el Festival In-Somni de Barcelona este fin de semana ha quedado cancelado por motivos ajenos a la voluntad del grupo. ¡Les esperamos pronto por aquí!

Tu camino musical ha sido muy variado: estudios interpretativos, musicológicos, música antigua, música clásica… ¿cómo llega el momento de decidirse a hacer un álbum propio?

Nunca me he planteado los estudios como metas definitivas simplemente los he afrontado como una especie de “operación quirúrgica para añadir brazos a mi cuerpo” algo así como un sistema para que las ideas puedan florecer mas fácilmente. He flirteado con todo lo que me ha apetecido sin encasillarme nunca demasiado: clásica, antigua, musicología, diversos instrumentos… pero siempre de forma obsesiva, tratando de ahondar al máximo sabiendo que el interés hacia esto o lo otro no duraría para siempre: es mi suerte y mi perdición. Mi primer EP surge de hacer música pero también como un compendio extraño y borroso de mundos muy dispares: desde Bach hasta Tiersen pasando por Perotin, Brahms o Satie. Aí que el momento me llegó sólo y de una forma muy natural. Supongo que he decidido que ya tengo suficientes brazos extra por el momento.

Pese a provenir de campos formativos tan distintos, “Right Sides” tiene un alto componente de rock y música ambiental. ¿Cuáles son tus referentes en este campo?

Sinceramente no tengo referentes. Cuando era adolescente (y aún) escuchaba Bon Jovi, Dire Straits y poco cosa mas. AC/DC durante alguna época… y ya de mayorcito me enganché irremediablemente a Yann Tiersen. Me siento muy próximo a su forma de ver las cosas y por consiguiente a su música. Es el único que me ha calado. Pero el silencio me conviene y me convence mucho. No sigo a nadie y estoy muy poco enterado de que se hace. No conozco a practicamente a gente de rock o de música ambiental. Para el que compone vivir un poco apartado es básico.

Sorprende que seas tú mismo quien interprete todas las pistas del disco. ¿Qué ventajas o inconvenientes te ha reportado esta elección?

Ventajas muchas. Componer el disco es tocarlo en capas. No requerir a nadie mas es un alivio creativo. Mi música sale precisamente de esta soledad: se crea a través de la exploración íntima de una idea. Trabajo a partir de elementos fijos y construyo a partir de bases muy pequeñas. Nunca hago demos: el resultado final es precisamente el proceso creativo. Creo que lo maravilloso de la música es que nunca pierda cierta espontaneidad: todas mis canciones tienen una base improvisada que se mantiene en el resultado final.

Música instrumental. ¿Una decisión consciente?

Prefiero sugerir cosas mas que imponerlas. La música vocal requiere otra perspectiva. Me gusta que la música construya su propia historia, que con el tiempo genere en el oyente un fondo particular y diferente en cada caso. Quizá por eso se relaciona mi música con una etiqueta tan lejana a mi como es “música ambiental”. Para nada quiero crear ambiente. Unicamente requiero que el oyente participe de la creación dando sentido: se conviente entonces en un actor, no en un espectador.

¿Qué opinas de las creaciones audiovisuales que hemos podido encontrar en la red, basadas en tu música?

Siempre es gratificante que la gente escuche y use tu música para otras cosas. se trata de lo que te decia antes: para mi el oyente no es un simple espectador, puede interactuar con la música hasta el punto de crear una cosa nueva a partir de lo que yo propuse: poemas, imagenes, videos… de momento todo lo que he visto es de muy buen gusto.

¿Qué van a encontrar aquellos que escuchen “Right Sides”?

Van a encontrar música poco agradecida: les requerirá esfuerzo , atención y paciencia. Son temas largos, complejos, con entramados contrapuntísticos y no siempre fáciles de digerir. Parece una mala propaganda pero en el fondo no lo és: es música que da recompensa al esforzado. Los temas se construyen de forma lineal, desarrollando ideas hasta descubrir sus contornos definitivos. Y de aquí el titulo del disco: Right sides es la búsqueda de los lados definitivos de mis “polígonos musicales”; el oyente entra en el proceso creativo, que al final es la obra en si. Parece un tanto rebuscado, pero la música habla por si sola. Mi intención es que, además, encuentren un hilo histórico herencia de los clásicos del s. XX. He notado una cosa asombrosa en mi público: las canciones gustan a pianistas de clásica, a rockeros, a músicos y no músicos. Cada uno encuentra, por el momento, lo que estaba buscando: reminiscencias de Mahler, guitarras distorsionadas, musica de café…

¿Cuáles son tus planes para el futuro más inmediato?

En 2011 me traslado a Berlin, donde daré forma a un segundo disco en el que ya estoy trabajando.  Espero que este listo para el verano que viene.  Además estoy pensando en dar algunos directos con música de Right sides en acústico. Evidentemente contando con una pequeña camarilla de músicos, aunque como decía antes, es dificil trabajar en equipo, así que ya se verá. Todas las novedades, de todas formas, se podrán leer en mi web o en la de mi promotora.

Y por último… ¡el test!

Un tema o pieza que te gustaría haber escrito: La pasión según san Mateo de Bach.

Un lugar para perderse.  Un sotano cargado de trastos antiguos.

Un superhéroe.  A. Fleming

Una película inspiradora: Casablanca

Un sueño por cumplir:  vivir en la Costa Azul.

Podéis escuchar y/o comprar “Right Sides” a su autor en este enlace